THE FORCE IS BLIND

Mudam Luxembourg
8 October 2011 (Night of the Museums / Nuit des Musées)
Curators: Steve Kaspar and Hans Fellner
Live Sound by Y.E.R.M.O.

The Masque of Black Metal (Excerpt)

[…] This aim of consciousness-raising is even more strongly felt in the work of Mark Titchner, whose work is more marked by the politicized fringe of the hardcore scene than by Black Metal. His Another World Is Possible is meant as a kick in the teeth to Margaret Thatcher’s infamous “TINA” (There Is No Alternative – to free-market economics.) In his work Black Metal’s anti-free market discourse reappears in a surprising formulation: “The Future Is Behind Us”, he says, implying that solutions do exist – and they are to be found in elements of the past when humanity, if not better off than today, was at least more virtuous and dignified. In general Black Metal espouses something like a reverse utopia, but, at its best, it defies ideologies and instead heads back in time in search of the kind of changes we want to see in the world; at its worst, this retrograde aspiration leads to ideals of purity of which the discourse of the neo-Nazi scene is the most abject example. Most Black Metal groups preach political agnosticism with an aristocratic attitude bordering on condescension. But for Titchner, on the other hand, his consciousness-raising is linked to the affirmation of the individual, as his piece I Want A Better World I Want A Better Me emphasizes.

This attitude is shared by Gast Bouschet, whose recent works bear the mark of Black Metal. While he, too, believes that “It’s becoming increasingly difficult to see the reality of the world we’re part of,” he argues that we cannot give up trying to use art to change it: “The best we can do is to find methods to deal with the suffering… In our art we try to revalorize feelings of anger, disorientation and revolt. Art is about something more than hanging pictures on a wall or selling a product.” These two artists consider their work a potential political tool in a approach that goes against the general tendencies of how the relationship between art and politics is seen in contemporary art [..]

(Xavier Hug, artpress 396, January 2013)

Financial Times, wall installation (3,3 x 10,4 m) Toxic Gallery Luxembourg 2010

Un art contemporain à la (sombre) lumière du Black Metal (Extrait)

[…] Cette volonté de conscientisation est encore plus présente chez Mark Titchner, alors que son travail est plus marqué par la frange politisée des scènes hardcore que par le Black Metal. Son Another World Is Possible est un slogan en forme de pied de nez au célèbre “TINA” (“There Is No Alternative”) énoncé par Margaret Thatcher à propos du libéralisme. Les discours antilibéraux du Black Metal trouvent dans ce travail un écho surprenant: assumer que le futur est derrière nous (The Future Is Behind Us) revient à dire que des solutions existent, codifiées dans un certain passé où l’humanité, pour ne pas être meilleure, était plus vertueuse et plus digne. Black Metal fonctionne en ce sens comme une utopie à rebours, mais il se défie, au mieux, des idéologies pour remonter à contre-courant afin de retrouver les changements que nous voulons au monde: pour le pire, cette aspiration rétrograde conduit certains vers des idéaux de pureté dont une scène néo-nazie porte les discours les plus abjects – alors que la plupart des groupes prônent un agnosticisme politique au profit d’une attitude aristocratique, au risque de condescendance… Pour Mark Titchner, au contraire, cette volonté de conscientisation passe par une nécessaire affirmation individuelle, comme le souligne son I Want A Better World I Want A Better Me

Cette attitude est également revendiquée par Gast Bouschet, dont les récents travaux portent l’empreinte du Black Metal: si lui aussi pense “qu’il devient de plus en plus difficile de saisir la réalité du monde dont nous faisons partie”, il ne faut pas renoncer, par les moyens de l’art, à modifier cet état: “Le mieux que nous puissions faire est de trouver des méthodes pour agir sur la souffrance […], nous essayons de revaloriser la colère, la désorientation et la révolte. L’art ne s’arrête pas à l’accrochage ou à la vente de produits.” Ces deux artistes envisagent leur art comme potentiel levier politique, dans une démarche directe qui s’inscrit contre une tendance générale de la mise en ralation de l’art et de la politique dans l’art contemporain. […]

(Xavier Hug, artpress 396, Janvier 2013)

Toward the event horizon, Solo Show, House of Art, Ceske Budejovice, Czech Republic
April 13 – May 12, 2012
Sound in collaboration with Jason van Gulick
Curator: Michal Skoda

Statement:
In a world increasingly interdependent, fragile and in deep crisis, it seems important for us to reconsider our relationship to the planet. The photographies and videos that we present on this occasion have been shot in London and Iceland over a period of two years. As we are interested in the intervention of natural events on human affairs, we were fascinated by the recent volcanic eruptions in Iceland. Volcanoes are a constant reminder of the anonymous forces that shape our planet. Despite all human efforts to master and dominate the Earth, we still live dangerously on the surface of an unstable planet. Chaos still lies within this ground.

In any stratified society there is a set of limits on what… dominant and subordinate groups can do… What takes place, however, is a kind of continual probing to find out what they can get away with and discover the limits of obedience and disobedience. (Barrington Moore, Injustice)

INTERVIEW WITH AMELIA ISHMAEL
November 22nd, 2011
http://blog.art21.org/2011/11/22/vibrations-of-light-and-sound-to-trigger-seismic-molecular-events-to-shake-the-wall-to-break-down-barriers/

Gast and Nadine were both born in Luxembourg and are currently based in Brussels, Belgium. They have worked together since 1990s, using a combination of photography, video, and sound to create potent social, political, and institutional critiques which they have exhibited at major international venues including the Muzeum Sztuki Lodz, Poland; Philharmonie, Luxembourg; Trienal de Luanda, Angola; Busan Biennale of Contemporary Art, South-Korea; Domaine de Chamarande, France; Casino Forum d’Art Contemporain, Luxembourg; and Camouflage Johannesburg, South Africa… just to name a few. And, in 2009 they represented Luxembourg at the Venice Biennale.

Their work enchants me. Not only for its intellectual richness, but Gast and Nadine’s incorporation of alchemical aesthetics are absolutely gorgeous, and their collaborations with noise musicians adds intense layers of somatic and psychological stimulation.

Following is an interview that I conducted earlier this month with Gast Bouschet.

Amelia Ishmael: Let’s start by talking about “Toward the Event Horizon,” the recent video and sound performance that took place October 8 at the Mudam Luxembourg. What happened here?

Gast Bouschet: Well, different things to different people, I guess. What’s important to us is the location and context of the event. Where we project our art and sorcery, what’s the nature of the game and what we are throwing out into the world. Making the video and building up the energy is a long and slow process. We went several times to London to film the financial district and shoot images in Iceland after the eruption of Grimsvötn earlier this year. The live performance itself was a quick discharge of this energy. As we believe that art is more than entertainment and has to go somewhere to produce results, we bombarded the Museum building with light and sound vibrations. Our goal was to trigger seismic molecular events within architectonic concrete and glass. We wanted to shake the wall and bring this thing down. Of course we failed.

AI: Damn. That’s quite a feat. So the intention was to break down the cultural barrier between the art museum and the public sphere?

GB: Yes, breaking down physical and cultural barriers. As well as questioning rationality. Our art strives for a new form of resistance. We want to take reality into our own hands, re-appropriate the imagination and defy established forms of thought and expectations in contemporary art. The live performance was also an expression of symbolic violence against oppressive architecture. That which oppresses us must in some way be destroyed. Such a wild ride is doomed to fail, but that doesn’t mean that we don’t have to try. As Albert Camus stated in The Myth of Sisyphus: the struggle itself is enough to fill a man’s heart. Anyway, one of our main objectives was to evolve outside the comfort zone of the museum and invite the audience to position themselves towards it. To make choices whether to enter the museum and be part of the Night of the Museums event, or confront the rain and the cold outside while experiencing extreme visual art and listening to very loud music. These choices are more far-reaching than just how to spend an evening. It reveals what these people choose to confront in their lives. Being present outside was kind of a tough decision to make. The drastic weather that night was in sync with the bleak, frozen landscapes depicted in our film.

A Planet 2011.

AI: What was your inspiration to relate the clips of the London financial district with the Icelandic landscapes?

GB: We actually started to film the City of London and Canary Wharf in early 2010. We worked on low vision as a technique to invoke the deep perspective crisis that our society is going through. We wanted to refer to eye damage and show that our ocular vision of the world is deformed and oppressed. So we applied volcanic dust and dead insects directly on the camera lens while filming. A couple of weeks later, Eyjafjallajökull erupted in Iceland and its giant dust cloud stopped flight traffic over Northern Europe. We are not into divination or prophecy, but we realized that we definitely got something here. So we decided to go deeper into the subject and move between London and Brussels, where we live. There was also the eruption of Grimsvötn in 2011, and we flew to Iceland immediately after it to film and photograph the thick dust and ash layer that covered parts of Vatnajökull glacier. We are fascinated by the intervention of natural forces on human affairs and search for aesthetic forms of dislocation. We want to cause change in how we perceive the world. In our film, the volcanoes in Iceland are opposed to the mineral structure of the City and its occult economy and abstract financial flows. By obfuscating the lens and manipulating the visual input, we are trying to destroy the credibility of the image as a clear signifier.

AI: I’ve only seen the video documentation and it looks and sounds like a super intense experience best sensed in actual presence of the work, yet its strength resonates beyond the site-specific installation. For sure. Some of the images that I can pick out from the projection include people walking through glass structures, scrolling LED numbers and text, and insects crawling over an intense–both in contrast between the stark black and white tones and the sharp edges–landscape. It turns from this representational imagery to very severe bursting of light strobes. What changes for you between these two modes?

GB: The scrolling LED numbers and text are stock market values actually. Well, there is no clear fracture between these two modes. Representational imagery and flickering lights and shadows overlap, penetrate and repulse each other. The flow of the images is constantly interrupted. We don’t see a coherent world, but only splinters of it. Shadows pull downward, light collapses into a black hole. Our work is inspired by Antonin Artaud’s philosophy of “Raw Cinema,” which aimed to transplant the image directly into the spectator’s eyes and nervous system. He also evoked sorcery in the context of film-making. Maybe it has to do with the fact that sorcery restores some of the powers and dangers of art, I don’t know. Our thing has always been about intensity and techniques of ecstasy. We use raw and cheap recording modes to reinstall an archaic state of consciousness about our being on planet Earth and try to break up doors to the chaos that lies beneath.

AI: In the context of your previous lenswork—both photography and film—it seems that you are using the process of recording and editing to summon some larger power, drawing from indexical relationships that are built between on site shooting and experimentation with the raw materials of light and sound. At the rawest moments you are dealing with these elementary materials of sight and sound, and the vibrations that they release. This reminds me of Sufi Hazrat Inayat Khan’s book The Mysticism of Music, Sound and Word where he discusses the ability of vibrations to stream through and interact with us both on a conscious and unconscious level, both seen and unseen. Are you using light and sound to represent, tap into, habour, challenge, and redirect the energy of these vibrations?

GB: This sounds thrilling. I haven’t read the book, but we are definitely interested in vibrational transformation and the manifestation of light and sound on the physical sphere. If you project frequencies, they will create resonances and interferences in matter as well as in the mind. Vibrations and noise are capable of disrupting established connections and create a disequilibrium. I am no Sufi mystic, I don’t believe in God or any hidden esoteric truths. I don’t believe in ultimate truth. Period. But we try to gather forces and empower the audience and ourselves through art and ritual. These statements are probably paradoxical but what the hell, living today is nothing but contradictions, right? I think we have to find new terms, or at least revitalize the old ones and develop new artistic strategies to summon the unspeakable and confront the unknown. I guess reality is ultimately indefinable. The best we can do is to find methods to deal with the suffering. In our art we try to revalorize feelings of anger, disorientation and revolt. Art is about something more than hanging pictures on a wall or selling a product. I discuss this issues a lot with Nadine and Yannick from Y.E.R.M.O.

AI: Have you collaborated with the sound artists for this piece before?

GB: We contacted Y.E.R.M.O. (Yannick Franck and Xavier Dubois) in 2007 to collaborate on “Collision Zone,” a multichannel video and sound installation that we elaborated for the Luxembourg Pavilion at the 53rd Venice Biennale. The work is a phantasmagorical journey between Africa and Europe, highly metaphorical and full of weird juxtapositions and associations. An encounter with the tragedy of so-called “illegal immigration” and the horror of being trapped between two worlds. Collaborating with Yannick and Xavier was a great, rewarding experience and we have worked together on several occasions since. We share a passion for dark and extreme art, Black Metal, Noise Music etc. For a live version of “Collision Zone” in the basement of “Philharmonie Luxembourg,” we also invited Otobong Nkanga to join Y.E.R.M.O. on stage. It was a real challenge to confront Oto’s invocations and vocal improvisations with a dozen Nigerian dialects to the drones and Sabbath-like riffs of two white, Nordic males. Yannick runs “Idiosyncratics,” a small label mainly based on Dark Ambient, and is very active in producing sounds for movies, theater and dance productions. Xavier plays guitar in another band named Ultraphallus. They are fucking brilliant.

AI: They are not the only ones! Thank you Gast.

(Amelia Ishmael is an artist whose practice includes critiquing, historicising, teaching, and curating other artists’ practices. Describing herself as “bewildered by time, space, light, sound, and motion,” Ishmael’s areas of specialization are Black Metal art and the history of photography.)

Our film “Days of death without sorrow” is part of “Black Thorns in the Black Box”.
Curators: Amelia Ishmael & Bryan Wendorf

Black Thorns in the Black Box is a touring screening of experimental film and video by eleven contemporary artists whose work resonates with the heavy, dark, and mystic obscurity of Black Metal music. This screening is organized into three parts: the underground, the earth, and the heavens according to the three branches of Medieval concepts of music musica mundana, musica humana, and musica instrumentalis to explore how Black Metal has permeated all known spheres of creation.

FOKL, KANSAS CITY, KS, U.S.A. March 1, 2012
THE NIGHTINGALE, CHICAGO, IL, U.S.A. March 23rd 2012
SPECTACLE THEATER, BROOKLYN, NY, U.S.A. May 6th 2012
HAMMER MUSEUM, LOS ANGELES, CA, U.S.A. August 1, 2012
ARTISTS’ TELEVISION ACCESS, SAN FRANCISCO, CA, U.S.A. August 5, 2012

Amelia Ishmael introduces “Days of death without sorrow” by two Antonin Artaud quotes:

“We must not seek a logic or a sequence which things do not contain, we must interpret the intimate meaning of the images, the inner meaning which moves inward from without.” And: “The clash of objects and movement produces psychic situations which wedge the mind in and force it to find some subtle means of escape. Nothing exists except in terms of shape, volume, light, air—but above all in terms of a detached and naked sentiment which slips between the paths paved with images and reaches a sort of heaven where it bursts into a bloom.”

http://www.facebook.com/BlackThornsintheBlackBox

Also,
some of our photos will be published in Helvete. Helvete is an open access electronic and print journal dedicated to continuing the mutual blackening of metal and theory inaugurated by the Black Metal Theory Symposia. Not to be confused with a metal studies, music criticism, ethnography, or sociology, black metal theory is a speculative and creative endeavor, one which seeks ways of thinking that “count” as black metal events—and, indeed, to see how black metal might count as thinking. Theory of black metal, and black metal of theory. Mutual blackening.

http://helvetejournal.org/
http://punctumbooks.com/

A Planet 2011.

INTERVIEW AVEC YANNICK FRANCK POUR FLUXNEWS
Décembre 2011

Depuis les années 1990, Nadine Hilbert et Gast Bouschet se sont associés pour développer à partir de la photographie un travail qui relie images fixes et images en mouvement, le plus souvent au sein d’installations autour d’un concept central. Dans le cadre de la 53e édition de la Biennale de Venise, les artistes présentaient au pavillon du Luxembourg une installation qui fut très remarquée pour son caractère fortement habité et par la force de son propos politique: Collision Zone. Yannick Franck s’est intéressé au suivi de ce parcours en questionnant Gast Bouschet.

Yannick Franck: Quelles ont été les suites de votre participation à la Biennale de Venise en 2009? Peux-tu évoquer les éléments marquants de votre parcours artistique durant les deux années qui ont suivi?

Gast Bouschet : La Biennale était une occasion de mettre en oeuvre une recherche entamée depuis plusieurs années, d’être entouré d’une équipe dédiée et de travailler avec des moyens financiers relativement importants. Mais bon, après il faut revenir sur terre. La pratique artistique en “temps normal” est une lutte constante. Il faut se battre pour tout, ne pas faire confiance aux promesses faites à la légère et rester intègre par rapport au code moral que l’on s’impose. Le travail qu’on a réalisé après Venise s’est fait dans la même logique que celui d’avant. On n’a pas attendu les retombées de la Biennale. On a juste continué à faire notre travail. Avec le recul, on se rend néanmoins compte du nombre de gens qui ont vu la pièce et à quel point “Collision Zone” a marqué certaines personnes. Mais il ne faut pas trop y penser. Il faut créer de nouvelles choses.

YF: Peux-tu présenter la thématique sur laquelle vous travaillez en ce moment? En quoi diffère-t-elle de Collision Zone?

GB: Nous travaillons sur un essai filmique et photographique qui se base sur l’intervention des forces naturelles sur les affaires humaines. On confronte les volcans d’Islande à l’économie occulte et les flux financiers de la “City” de Londres. Le point de départ était l’éruption de l’Eyjafjallajokull et son nuage de poussière et de cendres qui a paralysé le trafic aérien en Europe. C’est aussi un travail sur la crise de perception profonde que nous sommes en train de vivre. Pour tourner nos séquences, nous avons appliqué de la poussière volcanique et des insectes morts directement sur l’objectif de la caméra avant de filmer. Nous considérons cette manipulation de l’entrée visuelle comme un acte de sorcellerie. Collision Zone et le nouveau travail font parties d’une même volonté de se réapproprier l’imagination et le réel. De ne pas se laisser ensorceler par le formatage visuel et idéologique de la société contemporaine.

YF: Vous gardez une grande cohérence du point de vue formel au fil des projets, cependant certains choix diffèrent fondamentalement entre vos recherches actuelles et les précédentes (noir et blanc, rythmes plus saccadés des prises de vue, etc.). Peux-tu expliquer ce qui motive ces choix?

GB: Collision Zone était une oeuvre qui traitait l’attente et l’immobilisme, une sensation d’être piégé dans le temps. Les images véhiculaient donc un état plutôt méditatif. Le nouveau travail se réfère à l’impossibilité croissante de saisir la réalité du monde duquel on fait partie. Le choix d’accélérer le montage et d’adopter un rythme plus saccadé des séquences nous paraît logique pour exprimer à quel point on est submergé par les informations et autres perceptions. La décision de les traduire en noir et blanc est motivée par le fait qu’on veut aller à l’essentiel: la lumière et l’ombre, l’information et son contraire. Le noir et blanc aide aussi à révéler la matière qu’on traite. J’ai souvent l’impression que la couleur est superficielle et nous éloigne de la nature même des choses.

YF: Quelle est ta position vis-à-vis des nombreuses manifestations d’ « indignés » qui ont eu lieu de par lemonde?

GB: Pas facile de répondre. Il faut voir si le mouvement continue, et dans quelle direction il va évoluer. Le fait de ne pas avoir de revendications uniforme n’aide pas à véhiculer leurs idéaux. Mais en fait cela ne me gêne pas trop qu’ils ne soient pas très unis. Ces manifestations traduisent surtout un désaccord profond avec la situation globale. Les gens se rendent deplus en plus compte que les choses vont mal. Les acteurs du monde de l’art contemporain pourraient s’en inspirer et produire des oeuvres relevantes au lieu de jouer avec de jolies couleurs et de créer des pièces ludiques.

YF: Le “Printemps Arabe” a donné suite à la montée de partis islamistes dans beaucoup des pays ou il a eu lieu (en particulier en Égypte, au Maroc et en Tunisie). On peut donc de façon assez légitime s’interroger sur la réelle portée révolutionnaire de ces soulèvements populaires. Qu’en penses-tu?

GB: Encore plus difficile que la question précédente. Je ne sais pas, Je pense qu’il faut vivre dans ces pays pour vraiment comprendre la situation, et encore… Je préfère de ne pas participer au débat et laisser spéculer les soi-disant experts dans la matière. Il y en a assez dans les médias.

YF : Tu sembles depuis quelques années, d’avantage qu’au moment de notre rencontre, influencé par le mouvement Black Metal voire même impliqué en son sein. Est-ce sa radicalité et son caractère extrême, tant artistiquement qu’au niveau des positions politiques de ses protagonistes, qui t’attirent?

GB: J’avais treize ou quatorze ans au moment ou le Metal est né. Pas encore le Black, mais le Metal. J’écoutais Black Sabbath, Red de King Crimson etc. Après il y a eu le punk, la musique industrielle et noise, le hip hop engagé de Public Enemy… J’ai toujours été fasciné et influencé par la contreculture. Le Black Metal est aujourd’hui peut être l’expression la plus radicale d’un courant antimoderne. Il exprime une tristesse bouleversante par rapport à ce qu’on a perdu en se distanciant de nos racines païennes. Le Black Metal est une expression de souffrance absolue et un geste de révolte contre l’establishment culturel. C’est vrai que je me suis plus impliqué ces dernières années dans ce mouvement précis. On travaille avec Amelia Ishmael qui réunit autour d’elle un nombre d’artistes et intellectuels passionnés qui essaient d’établir une théorie du Black Metal. Cela fait sourire certains et l’effort est souvent critiqué, aussi bien de la part des Académies que de la scène Black Metal elle-même. Je pense pourtant qu’ils font un travail approfondi et exceptionnel. En 2012, on va participer à une projection de films intitulée “Black Thorns in the Black Box” à Kansas et à Chicago. Certaines de nos photographies ont aussi être publiées dans “Helvete”, une revue théorique sur le Black Metal. Quant aux positions politiques de certains des protagonistes de la musique Black Metal, je pense la même chose que la plupart des gens sensés, c’est à dire que des gars comme Varg Vikernes (Burzum) sont des gros cons qui polluent la planète de leurs idées nauséabondes. Ce n’est pas parce qu’on s’implique dans ce mouvement qu’on doit être d’accord avec ces conneries néonazies. Le Black Metal n’est pas un mouvement homogène. Il y a des tendances très diverses et souvent contradictoires à l’intérieur de la “philosophie” Black Metal.

YF: Le mouvement “Völkisch”, au sein duquel régnait une fascination romantique du peuple allemand vis-àvis de son territoire et de ses origines païennes a sans nul doute été l’un des ferments du nazisme. Cet attachement romantique au territoire se manifeste de nos jours un peu partout dans le monde, souvent en réaction au caractère uniformisant de la mondialisation néolibérale et de la destruction des diversités culturelles qui en résulte. Doit-on selon toi prévoir un retour massif des totalitarismes en tant que réponses identitaires au marasme néolibéral (lui aussi insidieusement totalitaire) ? Comment imagines-tu l’avenir? Crois-tu en une quelconque idée de progrès?

GB: Je pense que la situation aujourd’hui est très différente de celle qu’on a vécue au vingtième siècle, au moins en Europe. La politique était essentiellement basée sur l’identité nationale et les conflits qui en résultaient étaient le résultat de volontés politiques et idéologiques impérialistes. La situation a changé. Les choses sont devenues beaucoup plus complexes. La politique n’a plus le même pouvoir d’action que dans le passé. L’impérialisme est aujourd’hui plus économique qu’idéologique. Le capitalisme a gagné. Je ne sais pas à quoi l’avenir va ressembler. Qui le sait? On vit peut-être une période charnière. Plus personne ne peut vraiment s’imaginer que le capitalisme pourrait tomber. Pourtant le monde a existé de longues années avant que la révolution industrielle ne bouleverse totalement nos vies. Je pense qu’il va y avoir encore du changement. On verra si on pourra qualifier ce changement de progrès. Je me méfie un peu de la notion de progrès. C’est certain qu’il y a un progrès dans les sciences, la technologie, etc. Mais c’est beaucoup moins évident de savoir s’il y a un progrès dans la conscience humaine. Ou bien dans l’art. Je ne pense pas que notre art vidéo soit plus puissant que les peintures rupestres des grottes de Lascaux ou Chauvet.

YF: Lors d’un entretien télévisé avec Henry Rollins, Werner Herzog parle d’une recherche permanente de “vérité extatique”, il relate d’ailleurs avec le sourire l’expérience d’avoir été blessé par balle aux USA lors d’un voyage, ce qu’il semble avoir vécu comme une sorte d’illumination. Est ce que tu te sens proche de cette conception pour le moins jusqu’auboutiste de l’existence et de la création artistique lorsque par exemple tu photographies un hold-up au Mexique ou que tu filmes un volcan en Sicile en altitude parmi les vapeurs toxiques?

GB: J’adore l’approche de Herzog. Ce qui se passe dans le monde et l’univers dépasse de loin ce qu’on appelle la réalité. Rien n’indique que l’univers est rationnel. Par l’art on peut accéder à une vérité plus profonde, plus extatique que celle généralement véhiculée par le sens commun. Mais il faut s’y donner corps et âme. Ce n’est pas une partie de plaisir et ce processus peut impliquer une part de souffrance et une réelle mise en danger. J’ai remarqué néanmoins que ce n’est pas dans les moments les plus difficiles et les plus dangereux qu’on fait les meilleurs films ou prises de vues. Pour pratiquer un art efficace, il faut créer une certaine distance entre le moment vécu et la mise en image. Quand on se fait tirer dessus, ou quand on est vraiment en danger de mort, on ne peut pas faire de l’art de qualité, on essaie de survivre. Cela m’a pris du temps avant de savoir séparer l’intensité vécue et l’intensité véhiculée par le geste artistique. C’est probablement lié au fait que j’aime bien vivre les choses physiquement.

YF: Te considères-tu comme antimoderne?

GB: Je suis sceptique par rapport à certaines valeurs philosophiques de la modernité comme le progrès et la raison comme normes suprêmes. Cependant, je ne pense pas que ce soit utile de se positionner en bloc contre la modernité. La modernité n’est pas un monolithe. En art, un mouvement comme le Romantisme faisait aussi partie de l’époque moderne. Pourtant il nous semble être à l’opposé de cette idéologie. En politique, le nationalsocialisme et les dictatures communistes font autant partie des temps modernes que le capitalisme et le libéralisme. Donc il y a différentes tendances. Certaines ont pris le dessus sur d’autres. Ce qui me semble important à notre époque, qui est en crise civilisationnelle et écologique, c’est de résister à l’anthropocentrisme, la conception philosophique dominante qui veut que l’homme soit au centre de tout. Il faudrait élaborer une politique de la vie même, qui dépasse l’humain afin de considérer l’existence comme un ensemble de forces et de matières interconnectées dont l’être humain fait partie, mais qui ne le place pas au centre. Ce serait une vraie révolution, une suite logique en somme de celle de Copernic et d’autres partisans de l’héliocentrisme, qui ont démontré que la terre n’est pas le centre de l’univers. L’art pourrait jouer un rôle de taille dans la création de cette nouvelle conscience.

FREMD GANG, DISPLAY01, CNA, DUDELANGE, LUXEMBOURG
28-10-2011 – 12-02-2012

The Fremd Gang exhibition brings together the work of several artists around the notions of movement, disorientation, and wandering. The title Fremd Gang, a compound noun, which may be translated literally as “strange” and “way”, refers to this exploration of the unknown…

[insider], the most recent work by Gast Bouschet and Nadine Hilbert is part of their on-going critical questioning with regard to a world in mutation, its balances of power and interconnections. [insider] brings them to London, to its suburbs and financial districts. All is plunged into an unsettling atmosphere of chiaroscuro, worthy of the screenplay of an Expressionist film. The smooth corporate facades of the buildings appear to be fed upon by symbolically laden presences: fog, insects, volcanic residues, hair, dust. One’s sight is troubled, one’s reading of the images inhibited. The inaccessibility of the image is transposed to zones of confusion in the socio-economic context and its hyper-connectivity, and becomes symptomatic of a more widespread incomprehension. By the application of organic and mineral materials directly onto the lens of the camera, the process of creation adopted evokes that of a shamanic ritual: the added matter is placed upon the real as if to induce healing into a situation that is out of control.

L’exposition Fremd Gang regroupe des travaux d’artistes autour du thème du déplacement, du dépaysement et de l’errance. Le titre Fremd Gang, un nom composé qui se traduit littéralement par «étranger» et «marche», se réfère à cette exploration de l’inconnu…

[insider], le dernier travail de Gast Bouschet et Nadine Hilbert s’inscrit dans la continuité de leurs questionnements critiques par rapport à un monde en mutation, ses rapports de force et interconnexions. [insider], les amène à Londres, dans les banlieues et les quartiers financiers. Tout plonge dans une ambiance de clair-obscur inquiétante, digne d’un scénario de film expressionniste. Les façades lisses et « corporate » des buildings sont comme parasitées par des présences symboliquement chargées: brume, insectes, résidus volcaniques, cheveux, poussière. La vue est brouillée, la lecture de l’image est inhibée. L’inaccessibilité de l’image est transposée aux zones de confusion du contexte socio-économique et de son hyper-connectivité et devient symptomatique d’une incompréhension plus large. Le processus de création adopté par l’application de matériaux organiques et minéraux directement sur l’objectif de l’appareil photographique, rappelle celui d’un rituel de chaman: la matière apportée se superpose au réel comme pour induire la guérison d’une situation hors contrôle.

(Michèle Walerich, Commissaire de l’exposition / Curator)

Fremd Gang au Centre national de l’audiovisuel à Dudelange.

[…] Gast Bouchet et Nadine Hilbert se voient incarner en quelque sorte l’exposition puisque c’est l’une de leurs photographies qui fait figure de visuel sur le carton d’invitation. Honneur usurpé ou mérité? Cette première impression de suprématie du duo d’artistes est renforcée par le fait que leurs œuvres sont placées au cœur de l’espace d’exposition labyrinthique. Mais elles ne se contentent pas de bénéficier d’un emplacement central, donc de choix; elles sont accrochées dans un renfoncement sur fond noir, tel un écrin, sans cadres, juste négligemment, voire vulgairement scotchées à la cloison. Comme pour signifier: nul besoin de superflu quand l’essentiel est au rendez-vous.

Car bien que Gast Bouchet et Nadine Hilbert soient ceux qui, en nombre de photographies exposées, sont sous-représentés, c’est bien leur série Insider de quatre œuvres qui nous sublime et nous happe. Comment expliquer ce phénomène de béatification? Dans leur cas, ils nous donnent tout d’abord une très appréciable impression de jamais-vu. Ensuite, ils nous entraînent dans leur monde, c’est-à-dire le monde tel qu’ils le perçoivent – et, bien qu’aussi le nôtre, tel que nous ne le percevrons jamais. Une ville au rendu presque pictural. Une atmosphère mystérieuse, presque inquiétante. Peu de contrastes. Le noir est omniprésent. Les ombres et la brume également. Partage de pouvoirs entre flou et netteté. Des détails focusés. Le tout plante une atmosphère, envoûte […]

(Florence Bécanne, Le Jeudi, Novembre 3, 2011)

Lire l’article complet: http://www.lejeudi.lu/la-culture/3708.html

Einblicke in die obskuren Welten von Gast Bouschet und Nadine Hilbert:

Auswanderung, Vereinsamung, Irrfahrt: Dies sind die drei Schlüsselwörter der fotografischen Ausstellung „Fremd Gang“, die bis zum 12. Februar des anstehenden Jahres im CNA zu sehen ist und die acht Lichtbildner vereint, die allesamt durch ein Stipendium – „Bourse CNA, Aide à la création et à la diffusion en photographie“ und „Bourse Grande Région, Regards sans limites“ – finanziell unterstützt wurden.

Unter ihnen befindet sich auch das Künstlerpaar Gast Bouschet und Nadine Hilbert, die selbst nicht so genau wissen, was sie mit ihrer Arbeit „Insider“ (2010) ausdrücken wollen. Fakt ist, dass das CNA lediglich eine kleine Auswahl der bestehenden Fotografien zeigt, die die beiden Lichtbildner im vergangenen Jahr in London und Island einfingen. Gewiss, wo die Sprache aufhört, fängt die Fotografie an. Und die ist in diesem Fall schlichtweg atemberaubend: düster, mystisch, verstörend und geschickt manipuliert durch die Beschichtung ihres Objektivs […]

(Emile Hengen, Tageblatt, November 4, 2011)

Den vollständigen Artikel lesen sie hier: http://www.tageblatt.lu/kultur/ausgehen/story/26479880

[…] Etwas aus dem Rahmen fallen die surrealistisch, expressionistisch anmutenden Aufnahmen von Gast Bouschet und Nadine Hilbert mit dem Titel “[insider]”. Schwarz-weiß und kontrastreich schaffen sie Endzeitszenarien, die mit dem Motiv London fast etwas wie einen Abgesang auf die moderne Welt beinhalten. (Jörg Ahrens, Woxx, November 10, 2011)

Den vollständigen Artikel lesen sie hier: http://www.woxx.lu/id_article/5132

Un processus de subversion:

[…] Gast Bouschet est venu sans Nadine Hilbert, mais avec un discours très politisé. Comme, selon lui, il est «de plus en plus difficile de témoigner de la réalité du monde». Le dernier travail du duo s’inscrit dans son questionnement critique par rapport à une société en mutation. Et ces photographies «témoignent de cette étrangeté que l’on ressent à l’égard de la réalité politique et économique contemporaine». Ainsi, sous leur objectif, les façades des buildings des quartiers financiers londoniens se voilent de brume, d’insectes, de résidus volcaniques et de poussière, appliqués à même la caméra, pour un résultat saisissant, entre clair-obscur et sinistre poésie.
(Grégory Cimatti, Le Quotidien, Octobre 28, 2011)

Lire l’article complet: http://www.lequotidien.lu/culture/28604.html

Notre travail est avant tout une expérience sur la perception et son échec. Nous pensons qu’il devient de plus en plus difficile à saisir la réalité du monde duquel on fait partie. Nos photographies témoignent de cette étrangeté qu’on ressent à l’égard de la réalité économique et politique contemporaine.

Pour réaliser ce travail photographique, on a brouillé les images en les occultant de poussière volcanique et d’insectes appliqués directement sur l’objectif de la caméra. Le résultat de cette manipulation optique est une vision impure de l’environnement. La pollution et l’occultation des photographies, le fait de les rendre partiellement illisibles, traduit cette difficulté de capter l’image du monde. Notre travail participe aussi à un processus de subversion à l’égard de la perfection recherché par notre société hautement technologique. Nous pensons que l’acte de détruire l’image parfaite du monde peut être la condition nécessaire à révéler la profonde crise écologique et civilisatrice que nous sommes en train de vivre.

Nos images reflètent un réalisme étrange qui in-sécurise notre présence au monde. Dans nos photographies, il y a quelque chose qui dépasse le contrôle humain. Nous traitons les insectes, les plantes et la géologie au même niveau que l’être humain. L’être humain est présent dans ces photographies mais il n’est jamais mis en avant. Il n’occupe pas une place particulière dans l’hiérarchie des êtres et des formes. Nous adoptons une approche qui transcende la technique afin de modifier le visible et de faire renaître la puissance mystérieuse de l’image.

Ce sont des photographies volontairement ambiguës qui remettent en cause la vision égocentrique de l’homme et qui pointent vers une nouvelle politique de la vie elle-même, dans laquelle l’identité des êtres et la texture du monde sont fluides. Il n’est pas facile de parler de ces images sans se référer à l’ensemble dont elles font parties. Quatorze photographies, qui en plus sont liés à un film qu’on a réalisé à Londres et en Islande. Nous nous intéressons beaucoup à la participation active de forces non-humaines dans des évènements politiques ou économiques comme par exemple l’éruption du volcan islandais en 2010 qui a temporairement déstabilisé les systèmes financiers et sécuritaires en Europe. Notre travail refuse à être immédiatement compris ou saisi. Notre but est d’irriter la lisibilité et l’accès facile à l’image. Nous sommes fascinés par des matières considérées comme impures ou insignifiantes, comme la poussière ou des petites bêtes qui dérangent le bon fonctionnement des affaires. Ces substances véhiculent une notion de danger, et servent aussi de métaphores pour désigner l’intrusion du chaos et de l’irrationnel dans la société.

(Gast Bouschet, Nadine Hilbert, Fremd Gang: communiqué de presse)

SOLO SHOW AT PARVIS, CENTRE D’ART CONTEMPORAIN, PAU, FRANCE

March 18 – June 11, 2011

[insider] ou l’éloge de l’impureté:

«Si la pollution constitue une catégorie particulière de danger, pour savoir où la situer dans l’univers des dangers, il nous faut dresser l’inventaire de toutes les sources possibles de pouvoirs» (Mary Douglas, De la souillure. Essais sur les notions de pollution et de tabou, Maspero, 1971)

La notion de risque est une création du 15ième siècle, époque des grandes découvertes et du cadre juridictionnel qui les entoure. C’est un terme d’assureur préfigurant l’essor de la modernité. Contrairement au danger, le risque est de l’ordre des probabilités et s’inscrit dans la partition d’un monde rationalisé par le calcul. L’improbable, c’est le risque. L’impossible, le danger. A l’insu, à la marge, tapi aux tréfonds du pandémonium, il parle aux rats et aux cloportes. Il est le quotidien des exclus de la carte…et ceux-ci de s’agiter aux frontières de l’Empire. De grouiller comme des larves. De l’ordre du fluide, de l’humide, du baveux, ils charrient avec eux la poussière, des pelotes de cheveux et toute une série d’autres problèmes. Ils sont trop nombreux. Nos frontières sont poreuses…

Grégoire Samsa en sait quelque chose, lui qui, « au sortir d’un rêve agité, s’éveilla transformé en une véritable vermine(1) ». Du corps humain au corps social, il n’y a qu’un pas, un jeu d’échelles que Gast Bouschet et Nadine Hilbert (vivent et travaillent à Bruxelles) manipulent jusqu’à l’implosion. L’attitude relève d’une forme de sorcellerie. Elle hâte l’infiltration, ici à l’intérieur de la galerie commerçante où loge le Parvis de Pau.

Le Centre d’art accueille [insider], une exposition qui s’inscrit dans le continuum d’un travail interrogeant les notions de frontière et de limite. Corporelle, sociale, animale et humaine…celles-ci sont tout à la fois garantes de la distinction entre ordre et désordre… et à la source de toutes les métamorphoses. Cette réflexion sur nos catégorisations modernes s’accompagne d’une critique acerbe des effets de domination qu’elles induisent(2). L’anthropocentrisme occidental est ici dénoncé avec force, comme si le couple d’artistes avaient contaminé leur œuvres de la parole et de la sourde détermination des exclus.

Insider réunit une installation vidéo et une série de photographies qui constituent les ramifications d’un film, the force is blind, pierre d’achoppement de l’exposition. Tournée dans le quartier financier de Londres, cette vidéo adopte un point de vue qui pourrait être celui d’un insecte. Drapé de poussière, aveuglé par la lumière, le cloporte investit la ruche. Au même titre qu’un trader ou qu’un voleur à la fauche, il est ici chez lui. Et d’arpenter cette ville labyrinthique dont l’atmosphère sépulcrale n’est pas sans souligner la vanité de son architecture et de ses emblèmes. Les drapeaux sont lacérés, les bâtiments débraillés par des effets perceptuels fluidifiant et altérant de tâches sombres un univers urbain en déliquescence, en proie au danger permanent d’être englouti par les cendres. Le film prend ici une valeur prophétique: cherchant à troubler le paysage, Gast Bouschet et Nadine Hilbert maculent l’objectif de leur camera de poussière volcanique, un mois avant l’éruption du volcan islandais ayant paralysé le ciel européen. On peut sourire du présage…tout en éprouvant son effet de vérité.

Mais l’enjeu n’est pas de conduire le spectateur au plus sombre état dépressif. Si le film éprouve, tant physiquement que mentalement, c’est surtout en raison de l’exaltation euphorisante qu’induit son rythme et sa puissance onirique(3). Cette mise en scène du crépuscule de la modernité ne conduit pas à une impasse. Elle soutient plutôt un questionnement sur notre place et notre rôle dans un univers représenté dans sa dimension la plus holistique. En associant l’humain et le non-humain, le pur et l’impur, le couple d’artiste insécurise notre présence au monde, tout en nous invitant à un exercice de décentration salutaire. Malgré la conscience relativement apaisante de nos limites – et l’ordre criminogène qu’elles peuvent induire, nos corps et nos frontières sont sans cesse infiltrés: « On partage notre corps biologique et social avec des entités qui nous envahissent de l’extérieur et s’installent pour vivre avec nous. On n’est finalement jamais seul, on fusionne avec des êtres et des matières anonymes. On est des impurs.(4) » Ce rappel de nos fondamentaux questionne notre identité et souligne notre fragilité. Cependant, celle-ci n’induit aucune forme de renoncement: malgré son aspect ténébreux, l’œuvre porte en elle une puissance libératrice, une forme d’émancipation à se savoir, fusse le temps d’un rêve, insecte parmi les siens.

(Benoît Dusart, L’Art-Même 51, 2011)

1. Kafka, « La métamorphose », Gallimard, Folio, 1955.

2. Sur ce thème, Collision Zone, installation vidéo présentée au pavillon luxembourgeois à la Biennale Venise en 2009, était d’une vive pertinence. Voir AM n° 44, sous la plume de Christine Jamart.

3. Encore renforcée par la bande son noisy et hypnotisante de Y.E.R.M.0. (Yannick FRANCK et Xavier DUBOIS)

4. https://www.bouschet-hilbert.org/now/insider/

The Curtain

[insider] at Parvis de Pau, France, 2011

[insider], 2010-2011, 14 photographies on photosensitive canvas plus linen tape / 14 photographies sur toile photosensible plus ruban adhésif en toile, 89 X 138 cm.
Réalisé avec le soutien du Centre National de l’Audiovisuel (CNA), Luxembourg

Printemps Noir:
Nadine Hilbert & Gast Bouschet s’inspirent des travers sociétaux, et portent sur l’époque un regard critique et provocateur.

Nadine Hilbert et Gast Bouschet sont des voyageurs, témoins des mutations économiques, sociales et culturelles de notre temps. Depuis les années 1980, ils parcourent le monde entier qu’ils photographient, filment et exposent partout. Nadine Hilbert et Gast Bouschet sont particulièrement fascinés par la capacité de l’image enregistrée à reproduire et commenter la transformation de systèmes politiques et socio-économiques de notre monde. Mutations visibles dans la morphologie des tissus urbains et des zones frontalières, espaces qu’ils affectionnent particulièrement.

[insider] est une exposition photo et vidéographique fascinante et inquiétante qui déconstruit la relation superficielle que nous entretenons avec l’image contemporaine et médiatique pour réanimer notre conscience critique et politique du monde environnant.

Installation vidéo et photos monumentales, sombres et dépressives, tissent des liens et des assemblages étranges tirés de l’actualité ou du quotidien: The force is blind (La force est aveugle) exposée au VidéoK.01 par exemple, est une vidéo réalisée lors de l’éruption du volcan islandais Eyjafjoll. Comme nombre de voyageurs, les artistes en transit se sont trouvés coincés à l’aéroport de Londres tandis que des nuages de cendres envahissaient le ciel, brouillant la
perception des zones soumises à l’ explosion. Dès lors, Nadine Hilbert et Gast Bouschet ont eu l’idée d’appliquer à même l’objectif de leur caméra des amas de cendres pour reproduire ce trouble visuel et nous faire vivre une expérience perceptive anormale. Ainsi, Londres qu’ils filment maculée de cendres, se présente comme le symbole d’un monde rendu malade par la vision atrophiée que nous avons du réel… Car finalement, l’effet produit par les artistes évoque également les symptômes d’une dégénérescence de la vue.

Et c’est là que Nadine Hilbert et Gast Bouschet posent les bases d’un travail singulier qui à grands coups d’images énigmatiques et envoûtantes s’érige contre les politiques impérialistes, les logiques de l’entre soi et du rejet de l’autre. Photographies et vidéos sont donc les armes grâce auxquelles les artistes nous révèlent le sens caché de l’actualité, dénonçant la manipulation des idées et des images, tout autant que les politiques européennes d’immigration ou la précarité des grandes zones urbaines. Cendres de volcan donc, mais aussi boules de poussières et insectes multiples sont les éléments qui «virussent» et brouillent l’image, pour nous pousser à résister au formatage visuel et conceptuel de nos sociétés.

(Magali Gentet 2011)

Dust is a powerful quasi-object, a magic substance, something to conjure with. (Steven Connor: Pulverulence, Cabinet, Issue 35)

Disposées à la manière d’un affichage urbain fait de superposition, de juxtaposition, de cohabitation forcées, quatorze photographies composent cette oeuvre en noir et blanc. Ce choix chromatique n’est pas anodin et cette binarité permet de créer à la fois une densité et une barrière protégeant de la facilité. Facilité de définir les éléments rapidement assimilés à la sphère connue. La richesse des effets est à souligner. On note de nombreux contrastes d’ombres et de lumières, renforçant d’autant plus les messages véhiculés par l’installation murale.

Le titre « Things we don’t name », littéralement en francais « des choses que l’on ne nomme pas » , traduit l’activation de conscience qu’essayent d’opérer en nous les deux artistes. Divers éléments sont présents dans ces oeuvres, tels des rats ou des insectes généralement jugés indésirables dans notre société. Ici Nadine Hilbert & Gast Bouschet, les mettent au grand jour en les livrant à notre appréciation. Dans les photographies, des personnages sont présents mais ne sont jamais identifiables. Ils reflètent alors l’idée de tout et rien, d’être l’humanité et personne à la fois. Ainsi, ce sont ces silhouettes fantomatiques ou parties d’individu qui incarnent la présence humaine dans l’environnement urbain. Alors, tout comme les autres êtres vivants présents, l’être humain peut apparaître comme un indésirable. Les êtres vivants présents sont ambivalents. Rien n’est manichéisme. Les sauterelles incarnent l’invasion célèbre de la huitième plaie d’Egypte. En nuage, elles sont exclusivement faites pour détruire. La présence du rat est souvent synonyme de peste et de famine. Il peut être vu comme le symbole de l’ego, il nous ronge de l’intérieur et se nourrit à nos dépens.

Pourtant, il est indispensable à l’espace urbain car il contribue à éliminer les déchets rejetés par les habitants. Ces 14 photographies reprennent donc une synthèse – non exhaustive – d’éléments anonymes que nous côtoyons quotidiennement sans y prêter attention… Inconnus et parasites… Le réel se heurte alors à l’imaginaire et aux non-dits.

(Julie Costa: extrait du guide de visite)

You’ll bring me to speak the unspeakable, very soon (Sophocles, Antigone)

Experiments in the game of control:

A tentative attempt to manipulate images and metaphors in order to change the structure of reality. Sorcerous processes as a guerilla tactic with the potential to break the routines of contemporary art production.

Our art is an investigation of the transitions between inner and outer images. It’s a world made strange, that allows us to speculate about the texture of reality. Our work is inspired by ancient techniques and aspires to combine them with a consciousness capable of working in the present.

[insider] weaves a vast web of interconnections and highlights the creative act as a means to induce extraordinary experiences. The work depicts the planet as a complex system where organic and inorganic creatures interact. We try to investigate the boundaries between animate and inanimate matter and challenge the belief that there is a clear line between the two conditions.

We are entering a new era. The human being is increasingly part of strange alliances in which multiple forces interact and defy any illusion of separateness. A new type of image imposes itself. Video and photography are capable of forging links between material configurations and resonant assemblages: volcanic ash clouds, balls of dust, human hair, veils, insects and unidentifiable black objects, bats, financial temples in London, planes dropping from the sky, stock values.

These formations show a materiality suspended between the human and the non-human. Our aim is to challenge our egocentric vision and point towards a new politics of life itself in which the human identity and the texture of the world are fluid.

(Gast Bouschet, Nadine Hilbert)

«The force is blind» is motivated by the desire to explore the power of video, sound and photography to shape and alter the real. Every device that is capable of recording or representing what surrounds us is also capable of creating reality. Film and photography are extensions of the human senses and produce interactions between the physical universe and our mind. The utilization of these techniques can either manipulate or alienate us, or they can favor a profound, entranced relationship with our environment.

Modernity’s quest to rationalize the world has failed as we can see each morning when we flick over the pages of our newspaper or browse the internet. Its order and logic making efforts have neither succeeded in bringing some sense into the world, nor answer our elemental questions about life and death. «The force is blind» thus takes its distance from modernist myths and adopts an ambiguous position that highlights the survival of an archaic consciousness within a highly technological world. We are trying to explore reality with a shamanistic spirit. Our work underscores man’s relationship to the animal-other and its potential to identify with beings and forces outside of the ego. This is not a prayer though. Our art is rooted in discomfort and unease. It reflects man’s foreignness in the world and examines the tensions between the lucid and the absurd.

«The force is blind» responds to the often evoked mental confusion in a mediasaturated environment by putting sensory overload into practice. The exhibition intends to be an aesthetic shock, where worlds collide and several realities are experienced simultaneously. Theorist Jean Goudal once qualified cinema as a conscious hallucination and this statement applies particularly well to the film that we will present on this occasion. More than anything, our show intends to be an experience with a psychedelic edge in which new perceptions can arise. We make associations, identify resemblances and try to visualize previously unseen connections between things. Wise people like J.W. von Goethe knew that we all walk in mysteries. We are surrounded by an atmosphere about which we still know nothing at all. We do not know what stirs in it and how it is connected to our intelligence… So I guess we’re all scanning the horizon for glimpses of light and truth. It’s an illusion to believe that we ever see anything clearly, what appears to be present is always contaminated by what is absent.

Using various media – video film, soundscapes, reworked images and texts from the press, we propose a descent into the labyrinth. Newspapers are blackened and turned inside out. Volcanic dust and insects partially cover the camera lens and alter the viewing of our films. Electric lighting effects conceal as much as they reveal the exposed work on the gallery walls. Our work refuses to be easily understood or possessed, challenging the viewer to decipher what is to be seen. We think that art has to be either ecstatic or severely ill in order to be relevant today and reflect the paradoxes and complexities of our troubled world. We are living in radical times: seismic changes, ecological disasters, financial meltdowns, religious wars and prophetic warnings. Only chaos sings the truth.

(Gast Bouschet, Nadine Hilbert)

The force is blind at Ecuries, Festival de Liège, Belgium, January 2011
Curator: Jean-Louis Colinet

TOXIC GALLERY LUXEMBOURG

Solo exhibition from 9 September until 30 October 2010.

Soundtrack in collaboration with Y.E.R.M.O. (Yannick Franck and Xavier Dubois)

Urban Paranoia:

«Seul le chaos chante la vérité» affirment Gast Bouschet et Nadine Hilbert. Et ils le prouvent avec leur exposition The Force is Blind chez Armand Hein.

Il faut oser franchir ce seuil d’une porte et d’une fenêtre complètement opaques, obstruées par un film adhésif. Mais une fois à l’intérieur de l’espace de la galerie Toxic, rue de l’eau, on est immédiatement happé par l’ambiance. De l’obscurité d’abord, dans laquelle on arrive à déceler des bribes d’images sur l’installation murale Financial Times, longue de plus de dix mètres. Du son ensuite, celui, inquiétant, sourd, réalisé pour la projection vidéo The Force is Blind par le duo Y.E.R.M.O. (Yannick Franck et Xavier Dubois). Les images de cette vidéo sont tout aussi énigmatiques et envoûtantes à la fois: nerveuses, parasitées, elles cachent autant qu’elles montrent. De cette œuvre d’art totale qu’est l’exposition personnelle de Gast Bouschet et Nadine Hilbert naît un sentiment de paranoïa, de menace généralisée, comme celle que nous imposent actuellement les leaders du monde occidental en nous annonçant des menaces terroristes à tout bout de champ, érigeant l’Autre en danger permanent.

Cette peur d’un danger immanent est le sujet de tout le travail récent de Gast Bouschet et Nadine Hilbert, artistes luxembourgeois qui vivent à Bruxelles et avaient entre autres travaillé sur ce thème pour Collision Zone, leur participation à la biennale de Venise l’année dernière. Or, alors que cette installation-là se passait dans le sud de l’Espagne et tournait autour de la peur qu’a l’Europe des immigrants africains, The Force is Blind pourrait être partout, près de chez nous, dans n’importe quelle ville européenne.

L’idée du film leur est venue lorsqu’ils étaient bloqués à Londres par les cendres volcaniques au printemps – beaucoup des parasitages de ces images-ci sont d’ailleurs provoquées par des cendres posées sur l’objectif, qui peut aussi être embué par moments. Bien qu’on n’y voie pas vraiment clair, on décèle des choses qui nous sont familières dans ces images, des blocs d’appartements, des toits, des cheminées, des gens qui traversent des rues, disparaissent dans des bouches de métro, des insectes sur ce qui pourraient être des moisissures, des cheveux dans le vent, des feux d’artifices (ou des attaques aériennes?), des embouteillages, des drapeaux noirs, des affichages lumineux des cours en bourse…

Le sentiment qui naît de ce montage est angoissant, tout indique que le monde qui nous est familier est menacé. «Seul le chaos chante la vérité,» écrit Gast Bouschet dans le communiqué de presse pour l’exposition. Où il estime aussi que «nous vivons une époque radicale: changements sismiques, catastrophes écologiques, crises financières, guerres religieuses et avertissements prophétiques…»

The Force is Blind se veut une exploration du réel et de ses limites, mais aussi une ode à l’irrationnel, à l’hallucination, nés de la surcharge sensorielle que rendent possibles les nombreux médias contemporains, notamment la vidéo. En mettant en rapport les images vidéos et les bribes d’informations – images d’Ahmadinejad, titres, graphiques – issus du Financial Times, retravaillés à l’encre sur papier kraft sur le long mur en face de la projection, on ne peut faire qu’une lecture politique de cette exposition. Qui pourrait être celle-ci : dans un monde globalisé hautement technologique et hyper-connecté, des peurs archaïques subsistent, voire deviennent de plus en plus fortes, soutenues par la volonté politique. Très sceptiques envers les mythes de la modernité, Nadine Hilbert et Gast Bouschet se laissent porter par, voire exacerbent ces sentiments afin de les rendre palpables. Mais ils ne rejettent pas cet inconscient collectif. Au contraire, ils sacralisent l’irrationnel, le psychédélique, le mystérieux, voire le mystique dans notre expérience du quotidien.

(Josée Hansen, Letzebuerger Land, 22.10.2010)

Financial Times, wall installation (3,3 x 10,4 m) Toxic Gallery Luxembourg 2010

Évidences masquées:

«The Force is Blind», la nouvelle exposition du duo Gast Bouschet et Nadine Hilbert, est d’une force et d’une évidence qui font froid dans le dos.

Il y a d’abord une musique, ou plutôt des sons, passablement angoissants, sourds, qui n’évoquent rien de bon. Ce sont des bruitages enregistrés à la prise de vue et retravaillés par les musiciens de Y.E.R.M.O. (Yannick Franck et Xavier Dubois).

Il y a aussi, d’emblée, une luminosité basse, comme dissimulée aux regards. L’exposition de Gast Bouschet et Nadine Hilbert nous plonge donc dès l’entrée dans un univers particulier, propice à la réflexion, l’interprétation et l’interrogation. Comme toutes les œuvres qu’ils créent, The Force is Blind est un «all-over» très prenant auquel on ne peut pas échapper. Il y a en fait deux pièces dans cette exposition: une installation murale et une vidéo qui donne son titre à l’ensemble et par laquelle il nous faut donc commencer. Une couche supplémentaire à l’angoisse suscitée par la bande-son: la vidéo est en noir et blanc et ne laisse pas réellement voir de quoi il s’agit. On reconnaît bien une ville, des gens qui la traversent, le métro, puis des montagnes, mais, constamment, la vue est brouillée, comme si des insectes couraient sur l’objectif ou que la prise de vue était trafiquée. C’est précisément ce qu’ont fait les artistes. Coincés à Londres à cause de l’éruption du volcan islandais, ils ont eu l’idée d’utiliser des cendres volcaniques pour transformer leurs images. Mettant directement la cendre sur l’objectif, ils obtiennent des prises de vues un peu fantomatiques qui ne disent pas ce qu’elles sont. On pense à des images de caméra de surveillance, à des images amateurs telles qu’on les montre parfois aux actualités, quand les professionnels n’étaient pas encore sur les lieux d’une catastrophe, à une ambiance de fin du monde. Souvent la cendre obstrue le centre de l’image, laissant une tache noire comme si la caméra avait une maladie des yeux (le scotome), à moins que les taches ne se baladent comme des mouches.

Manipulation:

En face de l’écran, l’installation murale est aussi impressionnante. Tout le mur de la galerie est recouvert de journaux noircis avec çà et là des cadres qui ponctuent l’installation en mettant en exergue une partie de texte. Ces journaux sont des Financial Times récents qui renvoient donc très vite à la première pièce, tournée à Londres, notamment dans le quartier financier. Autre point commun: des articles de ces journaux parlent d’aveuglement et de maladie dégénérescente de la vue. Enfin, les rares parties reconnaissables de ces journaux sont des images du leader iranien Ahmadinejad alors que la vidéo pourrait évoquer la guerre ou le terrorisme. Inspirés par un voyage en Afrique du Sud où les murs sont souvent isolés avec des journaux, rendus noirs par la fumée et la suie, les artistes ont photographié les journaux, ce qui permet d’en voir les deux faces à la fois, puis travaillé à l’encre, au vernis pour mettre en évidence certaines choses (les graphiques) ou en cacher d’autres (les images, certains mots). Laissant libre interprétation de ce qu’ils montrent, les artistes expriment cependant l’idée qu’on nous cache des choses, que la vérité est à chercher sous la cendre, en creusant pour ne pas se laisser impressionner par le premier degré. La manipulation des images et des idées est donc au centre du dispositif qu’ils ont créé.

Usant des mêmes ficelles que ceux qui manipulent, le duo crée un choc esthétique qui nous fait prendre conscience de notre aveuglement. Le titre est là pour nous le rappeler: La force est aveugle, et c’est parfois en cachant que l’on révèle le plus.

(France Clarinval, Le Jeudi 15.09.2010)

Financial Times, wall installation (3,3 x 10,4 m) Toxic Gallery Luxembourg 2010

“The Force is blind”: l’aveuglement par l’image

Depuis une vingtaine d’années, Nadine Hilbert et Gast Bouschet forment un binôme artistique dont le dessein est de créer et d’explorer un monde visuel où photographie, vidéo et son se superposent pour ordonnancer et modifier le réel.

L’exposition intitulée “The Force is blind” que leur consacre la galerie Toxic offre une immersion totale dans un univers qui traite de la confusion et de l’aveuglement engendrés par une saturation d’informations visuelles. Dès l’entrée dans l’exposition, le ton est donné par la bande sonore de l’installation due à Y.E.R.M.O. (Yannick Franck, Xavier Dubois). Enveloppante, méditative, angoissante, la plage musicale enregistrée à la prise de vue des images est en parfaite adéquation avec l’ambiance du lieu et la rehausse de son étrangeté. Aveugles, nous le sommes donc presque car la lumière est très basse et nous pousse à nous abîmer avec encore plus d’attention dans le travail visuel et à nous interroger sur la véracité de ce que l’on distingue à peine. Que voyons-nous en somme? Une ville, des passants, des collines. Où sommes-nous? Nos sens sont en perdition. En fait, le binôme, comme de nombreux voyageurs en transit, s’est trouvé bloqué à Londres en avril dernier à cause du nuage de cendres provoqué par l’éruption de volcan islandais Eyjafjöll. Cet évènement a non seulement brouillé la perception des avions mais aussi celle des voyageurs.

Alors, Nadine Hilbert et Gast Bouschet ont eu l’idée d’appliquer de la cendre et des insectes à même l’objectif de la caméra. Le résultat est étonnant car les taches noires altèrent notre vision comme si nous souffrions d’une dégénérescence maculaire. Face à cette image, un mur entier de la galerie est recouvert de journaux eux-mêmes difficilement lisibles alors que des fragments d’articles sont encadrés, mis en lumière, en une. Pages du “Financial Times”, ils traitent de maladies rétiniennes et de malvoyance.

Expérience sur la perception, choc esthétique ou le réel se heurte à l’imaginaire et au non-dit, cette exposition nous invite à être plus vigilant face à l’information et à notre vision des choses. Les deux artistes tentent de nous montrer le chemin vers la vérité, quitte à gratter le vernis, à fouiller sous la cendre ou à lire entre les lignes et entre les caractères d’imprimerie. On ne sort pas indemne de cette exposition.

(Nathalie Becker, Luxemburger Wort, 22.10.2010)